Categoría: Música

Maurice Ravel fue un compositor francés del siglo XX al que seguramente todos conoceréis por su famoso Bolero. Su obra ha sido frecuentemente vinculada al impresionismo, pero Ravel trabajó también con otros estilos musicales, utilizando recursos propios del neoclasicismo, el expresionismo o el nacionalismo. Fue un gran orquestador y pianista: esta magnífica pieza ilustra bien ambas facetas.

El Concierto para piano en Sol Mayor fue compuesto entre 1929 y 1931, en paralelo a su Concierto para la mano izquierda. Ravel acababa estrenar su Bolero y de realizar una gira por Norteamérica (1928), alcanzando un gran éxito y reconocimiento internacional. Se puede considerar esta como la cima de su carrera. En Estados Unidos tuvo ocasión de conocer al joven George Gershwin y de entrar en contacto con las raíces del jazz, música que admiraba tanto. Estas influencias resultan diáfanas en su Concierto en Sol, una de sus últimas obras. Poco después, en 1933, Ravel comenzaría a manifestar los síntomas de una enfermedad neurológica que acabaría con su vida en 1937.

En la interpretación de hoy, La Gran Martha Argerich toca como solista con Charles Dutoit dirigiendo a la Orquesta Nacional Francesa. Ante todo, no dejéis de escuchar el segundo movimiento, Adagio assai, sencillo pero profundo, contemplativo, de una gran elegancia. Mientras el primero (Allegramente) y el tercero (Presto) muestran sobre todo influencias jazzísticas y del folklore español (fijaos en ciertos fragmentos del primer movimiento), el segundo movimiento es el que mejor representa el estilo impresionista de Ravel.

Últimamente os tengo un poco abandonados, lo sé, pero entendedme: los días 5 y 6 han sido todas mis vacaciones. Vuelvo con ganas; sirva este post de aperitivo.

Ya sé que hoy no es domingo, pero me apetecía colgar una de las obras que he interpretado con la EGO los días 2, 3 y 4 en Vitoria, Bilbao y San Sebastián respectivamente. Por cierto, el concierto del domingo en el Kursaal fue espectacular: qué auditorio, qué acústica… impresionante. Salimos especialmente motivados y el público lo notó.

Vamos ya con la obra. Se trata de The Young Person’s Guide to the Orchestra, o lo que viene siendo «guía de la orquesta para jóvenes» — ¡vaya!, según cómo se traduce queda un poco confuso—. Es una obra del compositor, director, pianista y violista británico Benjamin Britten que data del año 1946. Fue un encargo del gobierno británico para acompañar una película educativa con narrador cuyo propósito era el que indica el título: servir como una especie de presentación de la orquesta sinfónica para los más jóvenes. La obra consta de tema —tomado de Abdelazar, de Henry Purcell—, variaciones y fuga final.

El Tema A en la tonalidad principal es presentado por toda la orquesta al comienzo en un forte generoso. Después, la sección de viento madera presenta su propia versión del tema con el Tema B. Lo mismo hace el metal con el Tema C, las cuerdas con el Tema D y la percusión con el Tema E. Finalmente, el Tema F es idéntico al A, esta vez en fortíssimo.

Llegados a este punto, comienzan las variaciones. Cada instrumento de la orquesta tiene la suya propia para demostrar sus cualidades. En este orden, se suceden flautas, oboes, clarinetes, fagotes, violines, violas, violoncellos, contrabajos, arpa, trompas, trompetas, trombones junto con tuba, y percusión. Todas las variaciones son de una gran calidad, ya que utiliza una escritura muy propia de cada instrumento que permite el lucimiento del mismo. A mí las que más me gustan son la de los oboes, los clarinetes (por supuesto), los violines, los contrabajos, las trompetas y los trombones.

La obra termina con una gran fuga final que se va embarullando poco a poco con la entrada paulatina de todos los instrumentos en el mismo orden que en las variaciones. Cuando todos los instrumentos han hecho su correspondiente entrada, los metales retoman el tema principal en compás binario mientras la cuerda y la madera siguen con la fuga en compás ternario, para acabar encontrándose en un final apoteósico.

Que lo disfrutéis. Os dejo con la Orquesta Sinfónica de Londres, bajo la dirección de Michael Tilson Thomas.

Al hilo de lo que comentábamos el otro día sobre la diferencia entre el dolor descrito por Prokofiev y el «dolor chopiniano», aquí os dejo, interpretado también por Alexandre Moutouzkine, un ejemplo del segundo maestro: Friedrich Chopin, Fede para los amigos.

Chopin es sin duda el autor que mejor encarna el estereotipo del compositor romántico. Pianista, tímido, enamorado, enfermo de tuberculosis durante toda su vida, hasta que la enfermedad acabó con él a los 39 años… Su nombre es probablemente de los primeros que aparecen en nuestra mente al hablar del Romanticismo y sin duda el primero cuando alguien menciona el piano. Piano es Chopin y Chopin es piano, hasta el punto de que raro es el pianista que no se enroló en este gremio con la ilusión adolescente de llegar a tocar un día sus obras.

Adolescente… sí, como el propio romanticismo. Adolescente como sólo lo es ese dolor lastimero, autocomplaciente, desgarrado, que nos lleva a escribir poemas a una princesa de 16 años. Ese dolor idealizado e idealizante, que se siente por el mero gusto de padecerlo, de regodearse en él, un dolor visceral, irreflexivo, un dolor, en fin, profundamente egoísta y apasionado, como sólo lo son los adolescentes.

Quizás por ello, a la mayoría, Chopin se nos cura con el paso del tiempo. Pero siempre quedarán obras, como este nocturno, mi preferido, que nos recuerden por qué empezamos a tocar el piano. Son símbolos, son banderas, de las que quizás ya no estemos enamorados, pero a las que les somos fieles para siempre, como a las princesas de 16 años.

(La nostalgia ya no es lo que era…)

Actualización (13/09/09): A sugerencia de Ton petit cadavre he sustituido la interpretación de Lugansky por la de un pianista que, hasta ahora, no conocía, pero me ha sorprendido gratamente: Alexandre Moutouzkine.